最近的短评
今天终于决定要写那套《印象·刘三姐》了。就是张老师导演的实景大型歌舞的录音制品，百万巨制发烧天碟，有齐秦齐豫，有窦唯的一段编曲。两张CD，一歌一乐，一张DVD，制作花絮，一套VCD，是老电影《刘三姐》。
只写了一句：你能对100万说不吗？然后就停了下来。
干嘛要去写呢。哪怕只有400字。这个东西好与不好，跟我有关系吗？
然后，从CD机里退出了盘，收起来，把老电影从贵重的盒子里取出来留着，剩下的，打算连盒子一起送人了。
陈小肆+李剑鸿《癌症楼》
出品：m.ch records
除去《留下》左小祖咒式的贝司推进和歌声，这张专辑已经没有多少和中国新音乐一致的地方了。当然，共同的影响还是有的：机械的工业敲击、黑暗的歌特气氛、纽约吉他噪音、灰野敬二式的急起急落，以及Laurie Anderson式的前卫艺术概念。
最近的杭州新音乐，在噪音和实验摇滚之间穿梭着，小肆和李剑鸿的临时组合，又为这个场景占领了一块新的领地。如果只听最后一首《200个线形作品》，你会以为是又一支加拿大的后摇滚乐队，在噪音墙和温暖而扭曲的吉他弹拨上重复着梦幻。如果只听开头的《九哒鼓》，你会以为是声音艺术家特邀了死亡民谣的歌手，混浊厚重的低音按摩（虽然还不够）下面是吱吱呀呀的唱，结尾却突然地来了当头一棒。
这差不多也正是当代实验摇滚的共同倾向，在原来的吉他噪音老路上，开辟出了通往电脑的接口；噪音被大量运用，类似于后摇滚，但不会像主流的后摇滚那样优雅；更多的地下音乐元素也加了进来，而且是以更平等的方式。
当然，他们需要一个制作人，来控制四处奔突的动机……
何训田《波罗密多》
出品：风潮唱片
何训田的宏大叙事，经常弄得人无所适从，何况那种过度装饰的、高高在上的、完美主义的宗教情结，显然不光来自中国古代的庙堂文化。
但谁又能说《波罗密多》不好听呢？经过弱化处理的鼓声，有发烧级别的扩散、烘托、震颤的功能，万千景象都在它光明的拍击之中，而情景、氛围、层出不穷而又从容不迫的细节，则遵从着完满的秩序。它是最上乘的练功音乐、心灵鸡汤，绝对可以治疗高血压。更好的时候，钟磬敲着新世纪音乐的合成器，笛子赞美着4/4拍的舞蹈，法相庄严，华美舒畅，甚至从云霞中辉煌起来，用连绵的非洲节奏驱赶了杂念。窃以为，这虽然和女子十二乐坊血脉相承，但要严谨和高级得多。Pete Namlook式的、Fax式的电子氛围，和佛唱的融合，还算和谐到位，意境和语言的关系也比较妥帖——正好2002年王凡也做了一张《五行》，其音乐语言以绵密反复而突破了传统，大约可以给何老师进一步的教益。
只是那些烦人的女声，假惺惺地堆着恬静的笑，像一切被音乐学院和音乐家协会浆洗过的美学晚礼服，浅薄而又恶俗。何老师什么时候能悟到“诸相非相”的道理，恐怕才算真的摸到了无上智慧。
Junkyard《Junk U OK？？？》
出品：Isolation Music
面对顽强而无形的新青年文化渗透，主流社会已经开始松动，摇滚乐不再是难以理解的、没有利润的事业。但在繁荣到来之前，一些真正独立的名字已经注定要留在地下，而不是苦尽甘来，水涨船高。比如上海的Junkyard，和他们背后的整个独立/地下音乐场景。
2002年5月，Junkyard在北京的莱茵河·声场做了一场几乎没有观众的精彩演出。后来发表的录音也同样精彩，同样没什么销量。唱片显得非常清晰和有力度，并且保留了现场的凌乱和热情——一种冷静的热情，突然爆发和集体休止的潜意识能量，被鼓的重击左右着的吉他噪音在迸射，而人声则以尖叫、痉挛和哇呀呀的怒吼击打着耳膜。人们用no wave来命名这种音乐。但在上海乐评人、演出策划人孙孟晋即兴加入演出之后，我们只能说，这是一种用强烈的噪音（当然，对21世纪而言，这也是传统的噪音形式了）唤醒人潜能的音乐，压抑或者恐惧，都在生理性的刺激中变成了进入超人世界的通道。
Junkyard《Junk & Retain Junk》
出品：Isolation Music
Junkyard的音乐源头在20年前的纽约地下圈子，其标志性的快速尖叫则有日本no wave和地下噪音的影响，山冢爱的叫声和Yoshimi的军鼓时有再现。这张专辑即使在10年前的大坂，也是能让地下乐迷准确辨认出来，并且加入收藏名单的。而他们学习日本人的方式，就像日本人学习欧美人一样，彻底地拿来，全力地投入，这在国内是绝无仅有的。但愿他们那些不愿意见世面的同行能够认识到，这是一种高级的游戏。
这次，《护士在流血》没有扔钢管，而是扔了更脆更碎的一些声音，它们把带电的噪音给拉回了具象的世界，但这就像是一场残酷戏剧里的抒情片段，有一本正经的短促爆发，就有一本正经的漫长幻觉。正如人们所忽略的，Junkyard对迷幻声响的掌握能力和偏爱，并不比德国人和日本人更少，而这是地下音乐的精神源泉。他们的多数作品充满了爆炸和高压电，另一些则把快要变成旋律的东西变成梦，因为经历了大量的转折和变化，他们也丰富了自己所能尝试的各种手段，如果能进一步去掉吉他上太像别人的音色和技巧，这支乐队将会真正让人疯起来。保持热情吧，这些严肃、敬业、迷恋着非现实世界的人，正在借RIO、no wave、新迷幻、吉他噪音的栈道，抵达着自己的陈仓。
尘匣《Tuseday EP》
出品：Isolation Music
上海双人电子乐组合Dust Box，正在成为最受欢迎的新音乐红星。两个大学刚毕业的帅哥，国际化的风格，干净敏感的音色，绚丽的气象，完美的设计，他们要不成为新款少女杀手，简直天理难容。
EP的走向，大致是从玲珑细碎的数字音色开始，给粗糙暧昧的模拟音色让出空间，然后慢慢也从microsound向microhouse过渡，做了一次溯源和回顾性的旅行。在前3首里，那些飘荡的琴声，像是blip与bleep诗篇中的旗帜，在脉冲的风里轻扬。美得像叹息一样，慢得像太极拳一样，场景变换像超现实主义电影一样，那些不能用来跳舞的节拍，迷幻得像是用dub手法制作的梦。第4首开始出现Biosphere式的节拍之后，还是小心地拖延了已经被Pole他们完成、出卖的这个传统，转而追求更多变的结构性游戏，这等于是在挑战自我、确认自己在强大传统中的位置。
于是，在把一些舞曲元素剥夺得只剩影子之后，他们给自己的模拟/数字双重氛围来了一个漂亮的6分钟空白，然后是1分半日出般的前奏，最后是氛围house——向曾经特立独行的地下舞曲致敬！
节奏之犬《节奏之犬》
出品：云南民族文化
1999年，中国最有名的布鲁斯乐队节奏之犬发表了他们的同名专辑。过了几年，它才真正出现在大陆的唱片架上，而且，没有人知道是正版还是……
贝司手张岭是这支乐队的主唱，而不是听起来像的哪一位黑人。真正布鲁斯的英语发音，是这张专辑最为人称道的地方，但这其实就掩盖了艾迪的吉他，那是一种含蓄但始终不离你左右的演奏，而且也露着高级的funk吉他精华。毕竟，张岭的演唱还是飘了一点，音乐的气质也跟着浮了一点。
音乐是无懈可击的，纯正的，但恐怕在酒吧呆得久了——虽然那时他们好象还没去Big Easy驻场——讨好的意图太过了点，贝贝的鼓也还没有今天这样自成一体，金浩的萨克斯尤其太媚。“Hold On”这样的funk，和“Ain`t Nobody`s Business”这样经典的布鲁斯，都因为用了大家太熟悉的动机，而变得可惜。因此这专辑是精彩的，也是通透的，但却只能听3遍，然后送给离家最近的那家酒吧。
弥藏《90年代》
出品：阁楼音乐
弥藏乐队最近的3首小样，说明了他们经过90年代的跟风和新世纪的迷茫，终于开始了最适合自己的新路——布鲁斯。鲍家街43号早期尝试过的东西，现在还值得弥藏继续吗？当然，对于平庸的音乐家来说，布鲁斯是可以通过长期修行而获得升华的最保险方式。
在《90年代》里，他们已经展现了一支真诚的乐队所能演奏的最糟糕的音乐——他们省略了grunge和金属乐的所有难点，然后把它们一起安放在民谣上面，使之听起来像摇滚乐，而旋律和演唱则像是有起伏的顺口溜。糟糕的是，这样的乐队还有很多。能够帮助他们的惟一办法，恐怕只能是泼冷水。中国摇滚乐在主流社会的压制和冷落之下，获得了一种政治上正确的道德优势，这已经让它变得过分脆弱了……弥藏乐队在小样里表现出来的快乐，要多过专辑，这快乐胜过一切道理。而我所能说的，也就是这个，而已。
天理《月移·日升》
出品：京文·嚎叫
A4乐队的天理不是DJ，但他做跳舞音乐。《月移》和《日升》是他最近发表的两张专辑。一张是techno、trance和club dance之类的舞曲，一张是downtempo和house节奏的chill-out音乐；彻夜跳舞，热，天亮休息，凉，正好搭配着用在中国人刚开始的俱乐部生活里。
可惜真正去俱乐部的人并不多，所以人们需要模拟的俱乐部及其2nd room，天理在进一步放弃修饰和表现欲之后，接过了一代人的启蒙重任。专辑是简化了的，工整的，干净的，也是温暖和通俗的，中正平和的，少量的旋律简洁而感人，非常适合那些渴望时尚而又被时尚拒绝的二线青年。放松的那张有点不够冷清，跳舞的这张又不够高压，这大概也是折衷后的缺憾。但谁敢说他能比天理做得更好呢？主流而不媚俗，音乐语言和谐而有体系，风格多样并且没有多余的修饰，任何时候听都会是舒服的。10年前听起来激动人心的那些手法，今天依然在这里等着迟到的青年，天理放弃了个性，却提升了大众的性格。
这的确是电子乐普及运动的巨大进步。
P.S.O.+陈小肆+殷实《Pour Water》
出品：2Pi Records
去年6月，三位杭州年轻乐手的现场录音。一曲，44分钟。
听起来比他们之前的《Tonglu》和《癌症楼》要更漂亮，尽管它们同样缺乏结构性的控制力。从端正冷漠而又宏大的中低频长音开始，在到达烦闷之前，托出了一层沙沙的长音，然后是合成器迟缓的长音旋律隐隐浮现，然后是一层又一层中低频长音的叠加和交错——问题是，没有给出足够的层次感、质感——10分钟以后风景正式展开，高频和杂音打开了开阔地带。
不知道是谁在拧高频的旋扭，总之一直都不是太高明。后来出现的吉他，才开始让这次现场变得有趣，那是旧时代的吉他、极简派的吉他，不同时代的声音互相偏离的时候，吉他和电脑像是在隔海交谈，出现了因误解而产生的美。这不是一次成功的融合，但却值得尝试。在一大段环境采样把场景带入具象的水景之前，他们有几次接近了Black Dice的神秘境界。但后来爆发的吉他噪音、电脑噪音大堆砌，却把刚刚展开的这一切给摧毁到了一片杂草的境地。这不能不说是一次可爱而失败的尝试。
地下实验类的音乐，最需要的恰恰是章法——长时间的凝神和思考，会让噪音生长出秩序来。杭州需要的，已经不只是实验，而是专注的实验。
ADO《我不能随便说》
出品：云南民族文化
这专辑是1996年在台湾出的。最近的再版，购买者可能只有提供下载的mp3网站，如果他们能买得到的话。对这支进入了，又离开了中国摇滚乐历史的乐队来说，这种寂寞实在是很酷。
它称得上这些年最好的专辑之一。它准确地捕捉到了90年代初期世界主流/成人摇滚的精髓，也就是以Sting为代表的简单的精致、诗意和微笑的热情。开头的《我不能随便说》已经是经典，结尾的“Call Me A Doctor”则祭起了reggae dub的神仙之声，一种被阳光晒透的舒服贯穿了整张专辑。尽管像“A Long Letter”这样太Sting的作品有点让人迟疑，但艾迪还是用少而准确的摇滚方式来打动了听者，这是技术性的、点穴式的，又是来自精湛而融入了身体的演奏。最让人高兴的，是艾迪以少胜多的吉他，它完全可以让人醉掉。而其他乐器的编配，也没有一句废话，他们是一群以演奏为幸福的人。
顶楼的马戏团《最低级的小市民趣味》
出品：Mule
上海不是什么摇滚乐胜地，但它无疑有中国新音乐最前沿的风景。而顶楼的马戏团，则是其中最有分量的一个名字。
继令人倾倒的同名EP之后，这张专辑又一次带来了震撼。或者说，顶马几乎放弃了幽默，代之以肆无忌惮的、恶毒的嘲讽和攻击，并且在多数地方都使用了让多数人无法容忍的手段——挑战并且践踏了他们的道德假面。
如果说，第一首《WWW.FUCKINGMACHINES.COM》是用后一部分的疯狂来映衬非典时期绽放过的虚伪和庸俗，那么在《陆晨》、《方便面》和《想象》中，就是亲自堕落，彻底放大了小市民内心的淫荡，又彻底羞辱了人们最后的羞耻心。他们还高唱：“我死也要死在我美丽的上海”、“上海市的戆卵是杀不完的”，最后，“伊拉克伊拉克，萨达姆萨达姆，阿富汗阿富汗，拉登拉登，American，喔唷，meican，大家都死光光……”唇枪舌剑已经不足以说明这张专辑的杀伤力。歌词的凶猛，甚至让人忽略了音乐方面的成就——最朴拙的民谣套路，最简单的话筒延时效果，重复，直到它们变成迷幻音乐。因此它可以被称做avant-folk，这是简单而有效的前卫。它是高级的，而听众，将为之肃然起敬。
不一定《三国四记行》
出品：上海音像公司
这支乐队由北京技术最好的乐手组成，其中以文智涌的醒神小号最受欢迎，最具广告价值的窦唯，用简单、稳定而恰如其分的鼓凝聚了一个核心，张荐——中国最杰出的音乐家之一——的键盘和笔记本则从酷派爵士一直延伸到悦耳的噪音，简单地说，这是一次令人垂涎的现场。
当然，这一次（2003年7月，上海Ark）要比之前的《一举·两得》更浓，更层叠，也更技术一些，没有炫耀过分北欧的小号，而是让全体乐手交织起来。也许他们在互相较劲，这很有可能，有一些值得突出的动机被掩盖了，该放弃的时候，有些人不愿意放弃，境界因此降低，而气氛优先，这不像是一支真正的乐队。
但要说成熟，显然，这个现场又因为提高了中国爵士乐的音乐性而值得赞扬。实验性的杂音和呓语做为点缀，表现得节制，乐队似乎以中庸之道来平衡这些大腕，其结果是一种值得反复潜入、盘亘其间的骄傲风景。从最抽象的角度来说，精神的提纯和飞升，也让俗惯了的我们为之神清气爽……如果再加上附送的VCD，低科技影像艺术家武权制作的朦胧光影，那么，我们真该为中国人精神生活的进步而感到些许欣慰。
金佛和他的朋友们《夏日皇宫》
出品：上海声像出版社
怎么说呢？
不怕土鳖土，就怕土鳖扮时尚。这话会得罪人，但我们都是土鳖，并值得为之自豪。让人害臊的，是不自信，学别人的样子又力不从心。孔宏伟是北京最有名的爵士键盘手，其他乐手也多是叱咤风云的人物，论演奏论配器，其正确性当然无以复加，但我们在谈论音乐，而不是音乐学院的考试。这张专辑和当年天场那张对比，就像是平庸而自我感觉良好的中年科长，和当年血气方刚而不吝献丑的纯洁少年。
作曲方面，基本是国产电视配乐和爵士乐教学的结合，萨克斯有一种不可救药的三里屯气息，电子部分有如小儿学步，但又中规中矩，让人不忍批评。这些大约是养家糊口而染上的痼疾，不说也罢。而时尚，偏偏在于把民族音乐扯出来展览其音色和旋律，这些装饰了电子碎拍和爵士热鼓的异国风情，正是西方俗乐的主流，好比入乡随俗的广告公司，宣传着花花世界，又讨好着乡里乡亲。
是的，它好听。但这种徒有其表的好听，只应该出现在未来的同一首歌庙会上。
合辑《Weva》
出品：Bedzoo
这是“山水合辑”之后又一张国内电子乐合辑，干净，精致，国际化，不乏实验的刺激，更多的是小众的流行。
除了B6、cy、Panda Twin、Ronez（可能是惟一超过24岁的？）、me:mo这些正在鼎鼎起来的大名，还有几位没露过面的新人，像Di-Bit，他在“Tana2”里面的稳和细，就像是拿双氧水洗了当年IDM草创期的电子鸟叫，从而露出了新一代的空和灵。对，还有B6，还有wukun，他们有同样的既新且旧的趣味。
当然这还不够，新固然新，但新的总会变旧，所以在这个整齐新鲜的新世界里，cy点到为止的高频和Ronez简化的童心，显得更加抢眼。Zoojoo的偏执的重复和低迷的破碎爵士，则有了独到的风骨。正在纯熟起来的Panda Twin仍然保持着的朋克躁动，也热得让人开心。在所有这些作品中，又以上海的Susuxx最具音乐性、最浪漫、最开阔，令人过耳不忘。
简单地说，新一代崛起了，他们甚至懒得反抗前辈，因为全新的、开阔的视野和交流渠道，他们拥有一种不易觉察的傲慢……不过归根结底，我们要期待的，是风格，而不是国际化这个看似重要的旗帜。
黑棒《嘻哈第一棒》
出品：上海步升
论制作这张专辑还真是没得说，尤其是J. Wu担任制作人的那一部分，以及翻唱作品的旋律。
但这是从大陆商业流行乐的指标往上看。从黑棒自己的歌词来看，他们对商业流行乐是瞧不上的，并且把hip-hop放到了一个年轻人自我表达的位置上，这等于是自找麻烦，因为谁都会质问：这样的音乐难道不是流行乐对hip-hop元素的商业性借鉴吗？这里面针对主流文化表现出的个性，难道不是五十步笑百步吗？
所以很尴尬，小狮子可以辩解说，自己正在成熟，越来越喜欢轻松的smoth hip-hop，好听又不是罪过。但说不过去的是，他毕竟曾经是网上的传奇人物，两相对照，棱角和风格已被活活削去。如果说《霞飞路87号》代表了纯真可爱，那么《光轮两千》就已经开始多嘴，到了《No. 1》，那就是新一代空心偶像对上一代空心偶像的不屑。其实都是一家人，没必要争的。我们都知道黑棒很专业，小狮子对flow和发音都满有研究，《伊拉克紧张局势》用到的club元素也颇新鲜，但这些加起来，也不过是更专业一点的F4而已吧。
听说他们真的很受穿大号运动衣的青少年欢迎，这么说，孩子们还真是挺没出息的。
沼泽《二维》
出品：The Swamp
广州的沼泽乐队已经存在4年，最初活跃着的同行大多已经销声匿迹。今天的广州独立乐坛，与非门的流行电子乐正在成功起来，王磊正在周游世界，一批年轻的hip-hop乐队正在挑战北京上海。沼泽这张EP，延续着《音乐天堂》那一派的独立流行品位，也证明着本地音乐的生命力。
如果说《U之自白书》的工业节拍来得毫无理由，而《广场午后》的实验电子碎片又酷得过分迷离，那么另外的几首作品可能才是真实的他们。从箱琴版的《二维》，可以听到非常标准的歌曲范式，在这个规范的创作基础上，乐队成员施展采样、编程、效果等等手段，用一点点后摇滚和实验氛围的手法来拓宽作品的空间。也就是将二维的、命定的自由延展到最大极限。
但坦率地说，合成器及其模拟音色的节拍，在音色上桎梏了这种自由；而他们在意识上的有限，又破坏了已经飞腾飘逸起来的ambient气氛——《广场午后》的贝司，作为传统手段被发挥得恰到好处，《异角落》里电子鼓的延时和混响，作为新玩具，却被过度依赖和误解。而且他们缺乏结构能力……沼泽刚刚进入一个新的领域，但好歹他们进来了，只要坚持品位，我想，技术必将被超越。
瓷盘《瓷盘》
出品：瓷轨乐音
这是木马和废墟两支乐队的贝司手参与录音、混音的又一张唱片。之所以说起他，是因为之前那些作品，包括他自己的，都有民族元素和摇滚乐、电子乐的混合。瓷盘的美，也是这样，西南地区的旋律和调，在键盘上流动、变幻，人声空旷、轻而且慢，咬着内心深处的伤，神秘地。粗略地，可以认为其中包含了一种中国民间的巫气。
快歌也有，《宽恕是神》，演奏少而有用——当然，也是因为不够成熟和曲折——阿拉伯小调被唱得像是中国西南的法会，这种快，如果是用来跳舞的，那一定是跳祭神的舞。《现代世界》的歌词只有两句，大体可以看出他们看待社会的态度：一切都是无常……一切都是死亡。这和《寺庙》等演奏曲一样，缓慢的部落手鼓、幽深的旋律、迷幻的镲和铃，以及一把被遗忘在人类学里面的贝司，它们加起来，只能说明一件事情：这是又一个被传统和自然所映照的身体，又一个像古人那样着迷于缓慢、深思和抽象生活的生命体。
摇滚乐、电子乐和民族、民俗的神秘主义的结合，从Jon Hassel到Bill Laswell，都在主流音乐的边缘开发着意识和潜意识，也沟通着神话和流行文化，瓷盘已经明确地向他们靠近了。《行》有着Bill Laswell式的空间和弹性，《寺庙》却在传统硬摇滚的细节上展开了咒语和模拟的笛声，这既新且旧的方式尚未定型——且看未来的因缘。
合辑《地下成都·3》
出品：小酒馆
DIY的意思，不是降低标准，而是开发潜能。
摇滚乐原本就是这样的精神。《地下成都》已经出到了第3张合辑，创作、演出、录音、制作、设计、协作分工、发行，这些环节的进步，和最后的整合，使成都变成了沃土。
正统风格占了多数，除了金属和英式，还有scratch和hip-hop说唱，除了另外两位同志偏极简派的新民族音乐，以及The Gorgeous Stone的黑暗/工噪习作，其他大多都青少年化，像阿修罗和Q9，都有足够水准来说明中国（成都）青少年的突飞猛进。当然，声音玩具已经提前开始了对青春的哀悼，他们是诗人，20年后会老而弥坚，这首糟糕的现场录音可能会被抢着收藏。
地下成都正在变得不再地下。其实它从一开始就代表着广大的年轻人，只不过和地下/实验/战士/艺术家的文化结合在一起出现，现在，是时候独立出来了。年轻人正在缓慢地向这些音乐靠拢，这些音乐则作为理想，在先行者手里成熟起来，然后成为日常的必需品和未来的养分。少数人靠自己的努力和牺牲，来完成整体的进步，给多数人提供新的生活内容，并被忘记。
这就是历史。
银色灰尘《蝶变》
出品：京文
说装神弄鬼是一种亚文化的特征，比如说“cult culture”和以舞台仪式为特征的歌特表演，那么，我们必须要求装得像，否则，像银色灰尘这种县城发廊风格的装扮是挡不住人发笑的。
这不算是对视觉系的嘲笑，我们也知道中国的视觉系刚刚起步，有待扶持。但前提是视觉系至少装扮着一种浪漫主义、一种颓废的美和最低限度的诗意，然后才是华丽和戏剧化的表演，从这支拥有大量死忠歌迷的国产乐队身上，我们看不到这些。歌词笨拙陈腐，音乐缺乏灵气，在死亡金属的兽吼和新金属的和弦伴奏下，旋律却是80年代大陆港电视插曲——换言之就是一个山东大汉敲着铁锤唱柳永的《雨霖铃》。
还好不是吴孟达在唱。
其实他们喜欢的是凶猛和铿锵，是控诉社会对人性和青春的压抑，这可能会丰富视觉摇滚的内涵，但过度强调的话，则造成人格分裂。既然做着自己并不喜欢的事情，那么这支乐队的解散也就指日可待了。我想，这对他们来说会是好事。
